我在中国做电影

影迷看过来，给大家介绍一部轻松好看的纪录片——《我在中国做电影》

《我在中国做电影》是2020年2月底才上线的纪录片，片子只有5集，每集只有15分钟，用一顿饭的时间就能追完。

内容主要聚焦于美术、声音、特效、摄影、配音这5大电影幕后工种，简直是资深影迷的饕餮盛宴，每集请来一位或一组代表着当今中国电影产业最高水准的专业人士，让观众了解电影制作的故事。

其中还囊括了《妖猫传》、《影》、《南京南京》、《八佰》等各大电影的幕后纪实。

美术、声音、特效、摄影、配音，这几个专业名字听起来很乏味，它们的背后似乎都隐藏着一大堆晦涩的名词解释。

就连电影节颁奖，大家也都只关注影帝影后奖。摄影奖、音效奖、美术奖这类奖项则基本没有热度，甚至被插播进广告。

电影结束时，他们的名字也被放在很后面，字幕还没滚完，观众就已经走完了。

那为什么他们如此不受人“待见”，可全球的电影节却还是要为他们保留一个奖项位置呢？

看完《我在中国做电影》就知道了。

《我在中国做电影》第一集，请来的是曾上过《美国电影摄影师》杂志的曹郁：

大部分人认识曹郁，是因为他的妻子姚晨，但其实曹郁本人，是一个非常厉害的电影摄影师。

曹郁毕业于北电摄影系，毕业的第四年，他就凭借一支广告获得了纽约广告节摄影奖的提名。

2004年凭借《可可西里》获金马奖最佳摄影；2009年凭借《南京！南京！》获圣塞巴斯蒂安国际电影节最佳摄影；2017年凭借《摆渡人》获金像奖最佳摄影奖；2019年凭借《妖猫传》获金鸡奖最佳摄影奖。

可谓战绩不菲。

很多人不知道的是，摄影和摄像并不是一回事，摄影师不仅要负责拍，还要负责电影里的光影控制。

也就是说，一部电影所呈现出来的画面质感，是导演和摄影师相互协作的成果。

就拿《妖猫传》来说，片中杨玉环回眸的这一幕，是影片的重中之重：

为了这个镜头，曹郁准备了好几十根蜡烛和各种不同的现代灯具。

蜡烛围绕着放在演员的身边，LED灯往演员脸上打出层次感，然后还找了一种叫作特图利的可以打出很小光源的灯，专门打在演员的眼睛上：

看这个无滤镜的幕后花絮图：

我们可以看出杨玉环脸部和肩膀上的光影轮廓，这不只是化妆的作用，更多的是灯光。

这样才拍出了杨玉环回眸一笑百媚生的感觉：

所以大家看到的这个“百媚生”，不只是演员演出来的，还有摄影师拍出来的。

《妖猫传》是一部奇幻片，所以曹郁用了很多现代灯具来做光影，营造唐朝盛世的梦幻感。

而拍《南京！南京！》呢，用的则就是单一的白光了：

这种朴素的白光恰好可以拍出一种雕塑感，所以观众才会感觉角色特别有力量。

教堂里的这场戏也是光影运用的极致体现：

所有人站满教堂的时候，只有窗户那边进来了几束代表着希望的白光。

这一刻充满了压抑、痛苦和希望。如果没人举手，那意味着毁灭；如果有人举手，那意味着牺牲与伟大。

所以当教堂里的女性们一个接一个举起手时，手掌上的光影就成了重点：

尤其当光越来越强烈，强烈到能看见空气中的灰尘时，精神感就凸显出来了。

除了演员的演技，这些黑白光影、空气中的浮尘，其实都是我们的哭点，只是作为观众的我们，经常忽略了镜头的力量感而已。

摄影还不是一门单一的技术，按曹郁的话说，摄影就是一门艺术，绘画是他们的修养基础。

曹郁谈到，他第一次去和陈凯歌导演讨论《妖猫传》时，是带着一个登机箱去的，里面装满了画册。

然后曹郁给陈凯歌看了爱德华·蒙克的画，他想以此为视觉参考，来做《妖猫传》的背景色调。

所以在《妖猫传》中，我们看到了很多以蓝绿色为主色调的背景：

拍《八佰》时，曹郁参考的则是毕加索蓝绿时期的画作：

但《八佰》中加了很多黄色来做蓝绿色的反衬色调，大家看这个镜头就是蓝绿偏黄的：

这种柔和中透出来的残酷感，恰好符合《八佰》的气质。

曹郁还称《八佰》是他最满意的一个摄影作品，这个我们可以期待一下。

第二集讲的是音乐效果，请来的是负责过《影》、《记忆大师》、《重返20岁》、《寻龙诀》、《狄仁杰之通天帝国》等作品的赵楠女士。

她曾多次提名金鸡奖和金马奖的最佳音效奖及最佳录音奖，凭借《狄仁杰之通天帝国》获得金像奖的最佳音效奖。

与摄影不同，音效是一个非常孤独的职业，尤其在这个同期声越来越少的时代，音效师们基本都是独自坐在录音棚里工作的：

比如张艺谋的《影》，看过《影》的观众都知道，影片全程伴随着雨声。

为了做《影》的雨声，赵楠和同事把全世界有关雨声的素材都下载下来了。

不仅如此，他们还要自己录，哪一天看见下雨了，马上抱着设备跑出去录雨声。

赵楠表示做《影》的那段时间是最压抑的，因为上班听雨，下班了还要录雨，每天都阴沉沉的，整个人很down。

也有一些团队协作，许多我们听到的脚步声、踩水声、刺剑声，就是好几个人用奇形怪状的姿势趴在房间里合作出来的：

为此他们还要研究一些构造知识。

比如《影》里郑恺被刺的这幕：

他被刺完之后讲不出话来，不是因为声带受损，而是因为剑刺进肺部，造成血液反流，血进了肺，人一开口，血就会涌上来。

所以为了做这一剑的声效，团队还用鱼鳔做了一个仿真的肺。

在赵楠看来，声音是被动且恒定的，它是五官中影响人情绪很重要的一官，而且它对人的生理性影响不会被改变。

就拿怪兽的叫声来说，很多人害怕怪兽的叫声，不是因为它声音大，而是因为它声音中有次低频，次低频是最让人感到害怕的一个频率。

所以做声效靠的是感知与感情，而不是靠素材。

很多人以为大神能做出丰富厉害的声效，是因为他们电脑里存的素材多，但其实根本不是。

赵楠拿到片子的时候，做的第一件事是想象，她先看着无声的画面自行想象出大概五六种声音，然后再去找素材，找不到就去录或者制作。

如果只是像拼图一样，把现有素材往画面里嵌，那是做不出好音效的。

除了摄影和音效，《我在中国做电影》还讲了配音、美术、特效等方面的故事，有兴趣的可以去看正片，这里就不多讲了。

有人可能认为一集15分钟太短，讲不出深度，但对于一般影迷来说，这个时长其实正好，既不费心力，又可以掌握一些入门级小知识，提高一下观影水平。

太深度的话，那就是老炮专场了，对于一般观众来说会有点晦涩。

《我在中国做电影》让人感受最深的一个点就是：做好一份工作，除了兴趣之外，还必须耐得住寂寞。

认真、痴狂、专注、孤独、知足，一样不可少，有时候你甚至还得甘于承受一些职业伤害。

比如曹郁，不工作的时候，他就看大量的画作，研究其中的光影运用，这就是必须沉下来心来去积累的。

音乐也是他的灵感来源之一，有时候创造光影，音乐的起伏、氛围，都帮助他渐入佳境。

再比如赵楠，为了做好音效这份工作，赵楠养成了随地记声音的习惯。

她随便就可以说出重庆的高架桥上有哪几种声音，江边从白天到黑夜都有KTV在营业，还有高架桥上的汽笛声，和江面上的油轮声。

老上海的弄堂也很典型，一般是马桶的使用声，和小自行车的车铃声。

在家里，赵楠也利用听觉判断一切事物，比如老公何时出门，她还可以只靠听，就听出楼下的店面煮的是饺子还是面条。

长期的职业积累习惯使得听觉成为了赵楠五官中最敏锐的一官，但也以此带来一些伤害。

比如赵楠从不戴耳机听音乐，家里也没有任何播放器，她甚至下班回家看电视，都是关着声音看字幕的。

因为上班时间听了太多声音，下班再听的话她会睡不着。

经常夜里两三点，别人都睡着了以后，赵楠则是走进录音棚，把一千多个素材，一个接一个地放。

直到现在，赵楠都说不出自己到底爱不爱这个职业，只是他们那个年代的人，有了一份工作就天然感觉要做一辈子了。

这种说不出爱与不爱的朴实，反倒成就了一代匠人。

青石电影编辑部/老王

电影艺术是个庞大的体系，这个纪录片让我们更加了解电影制作的很多秘密。感谢各位导演摄影师把这场艺术盛宴呈现在我们面前，还要致敬默默无闻的幕后工作者。

中国电影要拍出自己的内涵。文无第一，武无第二，电影好坏每个人有自己的理解。我感觉各种因素下目前国内电影和国外尚有一定差距。

主观来说我还是喜欢看原声电影，配音始终是“没内味儿”。

这部纪录片从摄影，美术，混音，配音，以及特效五个角度讲述了5个电影工业中的工种，看完之后，觉得想把每个工种做到顶尖，其实不光光要靠专业技巧，更重要的是一个综合素质和优秀的审美能力。比如拍好人物和光影，一定抓住事件发生的故事背景和人物的内心，用心去感受。比如配音，想要把配音完成的很好，也要融入故事和人物的内心。总之，看似每个工种都各司其职，其实大家都在用另一种形式，或者用自己的方式拍电影！

对于全世界的影迷来说，电影业迎来了至暗时刻。

原本定档三四月的好莱坞新片，撤了大半。

《新变种人》《鹿角》《速度与激情9》《007：无暇赴死》《比得兔2》《寂静之地2》……

就连曾倔强表示北美档期不推迟的《花木兰》，也在名单之列。

受疫情影响，电影院的缺席似乎成了常态。

这也是咖爷觉得最遗憾的一件事。

你还记得上一次去电影院是什么感受吗？

看到烂片，或许气愤至极中途离场，捶胸顿足质问自己为何不用这票钱买杯奶茶；

看到好片，或许呆坐原地良久，灯光亮时恍如隔世，不愿回神。

而正常情况下，我们都是在正片结束时就匆匆离开。

对于电影的喜怒哀乐，也会随着时间淡忘。

因为对我们来说，故事结束了，电影就结束了。

更不用说，把那一行行的演职员表，也当作是电影的一部分。

比如摄影，比如灯光，比如声音，比如特效，比如美术和服装……

通常情况下，这些演职员表上快速滚动的名字是没有观众的。

而最近，有一部纪录片把这些容易被忽略的人，从幕后拉到了台前——《我在中国做电影》。

不得不说，这个名字真的相当像《我在中国修文物》。

同时呢，这个“做”字用得很有意思，许多人会问为啥不叫“我在中国拍电影”？

因为“做”包含的内容更多，除了拍，还有听、写、画……这些加起来，全都是“做”。

由时光网出品，米若羲担任导演，她本人也是时光网内容中心高级总监。

纪录片一共五集，每集14-18分钟不等，短小精悍，非常适合网生一代观看。

内容聚焦于，摄影、声音、特效、美术、配音这五大电影的幕后工种。

每集请来一位或一组当今中国电影行业内的标杆人物，来讲述关于他们的工作。

这类时长在20分钟左右、制作精良的纪录片这几年见得很多，《早餐中国》《人生一串》《如果国宝会说话》等，都做得相当有意思。

回归影像本身的题材，却不多见。

它的质量如何，看一下这个排场就知道了——

第一集：《光影统领者》，主人公曹郁。

第二集：《声音魔法师》，主人公赵楠。

第三集：《视觉追梦人》，主人公MORE VFX联合创始人魏明、《流浪地球》视效总监丁燕来、Digital Domain 数字王国视效总监周逸夫。

第四集：《寻找东方美》，主人公叶锦添。

第五集：《另一个演员》，主人公阿杰。

说实话，上面这些人名，除非是电影专业学生或是影视从业者，大部分人大概只听说过叶锦添和阿杰。

没听过也没关系，正好通过这部片子，一起倾听这部写给电影人的情书。

首先，第一集。

这集主人公是摄影师曹郁。

他毕业于北京电影学院摄影系。

2004年凭借《可可西里》获金马奖最佳摄影。

2009年凭借《南京！南京！》获圣塞巴斯蒂安国际电影节最佳摄影。

2017年凭借《摆渡人》获金像奖最佳摄影。

2019年凭借《妖猫传》或金鸡奖最佳摄影。

登上过著名的《美国电影摄影师》杂志。

这个履历可以说十分漂亮了。

有意思的是，很多人知道曹郁则是因为“姚晨丈夫”这个名头。

第一集短短的17分钟，曹郁实际上说了很多干货。

他首先提到的是，摄影师必须有对电影的极高敏感度，这样才能拍出符合作品气质和氛围的镜头和光效。

这里他用的例子是《妖猫传》的拍摄。

为了营造杨玉环“回眸一笑百媚生”中“百媚生”的神态，摄影可谓是绞尽脑汁。

先是点了几十根蜡烛放在演员脸部周围。

接着又用了LED的灯带，使贵妃的皮肤可以呈现出一种LED的光泽。

这样还不够，再加上一种名叫Dedolight（特图利）的灯打在眼睛里。

就这样，有灯笼的光、蜡烛的光、LED的光、Dedolight的光合在一起，产生了一种有层次的光效。

到这里还是不够，要“百媚生”必须要“流光溢彩”，光要流动起来。

于是曹郁亲自动手控制电子调光台，让光动起来。

所有这些加起来，才有了“百媚生”。

其次曹郁给我们提供的干货则是他从绘画里学到的摄影技巧。

由于《妖猫传》是一部奇幻片，所以他从爱德华·蒙克的画作里汲取灵感。

绘画到了蒙克的时期，已经是一种混合的光源。

他画作中阴影部分的蓝色给了曹盾很大的启发，所以《妖猫传》里我们能见到很多绿或者蓝的颜色。

曹郁还提到了之前因为撤档而闹得沸沸扬扬的《八佰》，并给出了一个很高的评价：

“我对《八佰》很满意，它很像我的作品。”

摄影上，由于《八佰》是纪实片，所以他参考的是毕加索早期的一组画，即他的“蓝色时期”。

所以《八佰》的主色调是蓝绿和黄色。

最后，他提到了贝托鲁奇的《末代皇帝》给他的影响。

《末代皇帝》的摄影师是斯拉罗，也正是在这部影片中，他知道了摄影机是可以像羽毛一样飞起来的。

第一集的部分，实际上可能是整部纪录片最有实用价值的一集，你不仅能够看到情怀，还能够看到一个优秀摄影师他所使用的方法论。

当然由于时长问题，也只能是管中窥豹。

不过呢，这不是摄影纪录片，能让我们感受到摄影巨大的魅力，和摄影师工作的重要性，就已经成功了。

第二集讲的是声音。

主人公赵楠，她负责过声音部分的作品有《影》《记忆大师》《重返20岁》《寻龙诀》《狄仁杰之通天帝国》等。

她也凭借《狄仁杰之通天帝国》获得过第30届香港金像奖的最佳音响效果奖。

赵楠在这14分钟内主要讲了三个方面的问题，当然也只是蜻蜓点水式的。

第一是声音在电影里的重要性。

很多时候，我们在看电影的时候其实总是会忽略声音，但声音又是使我们能够沉浸在电影中，享受那种虚假的真实的必不可少的一个部分。

比如怪兽的叫声让人恐惧，是因为里面有很多次低频在里面，次低频是让人最不舒服的一个频率。

再比如很多时候，我们不需要台词，只听声音就能够知道人物的喜怒哀乐。

第二是声音制作的过程。

首先是靠想象力，通过无声的画面去想象声音。

每一个画面都有属于自己的声音，重庆的KTV和铁轨声，老上海弄堂的自行车声。

其次是拟声，使用各种材质模拟出细致真实的声音。

比如《影》里杀人的声音，捅肺的声音，都需要现场模拟还原。

第三是国内声音行业的问题。

这里赵楠说了一句话：

“现在拍电影跟催命一样。”

电影还没拍呢，就已经定好了上映日期，然后各种催，于是时间压力特别大。

注意，从赵楠开始，国内电影行业的畸形和混乱现象开始得到了一定程度的揭露。

奥斯卡最佳外语片《罗马》，混音混了四个月；

而中国绝大多数的电影声音制作最多就是二十几天，而且拍摄日期说变就变。

也是从赵楠开始，好莱坞成了一个对比的标杆。

比如声音，在国内是一个人负责，好莱坞是两种人才，一种是混音师，另一种是声音指导。

说白了，就是中国电影的快速发展，导致电影人才素质各方面比较平庸。

而好莱坞的人才培养，则保证了他们有一生的时间去磨练自己的技术，以达到一个顶层的标准。

这个问题在第三集特效将会又一次被重复提出。

实际上，除了上面三个问题，赵楠还说了关于女性和职业选择的问题。

大学时她被叫成“楠哥”，公司里小姑娘叫她“女战士”。

很多人听到赵楠的名字，会觉得她是一位“先生”，比如金马奖组委会曾把她误会成“赵楠先生”。

于是在她上台领奖后，她第一句话就是“女孩子也能成为一个非常好的录音师，可以非常好，非常棒”。

光是这一句话，就足以振奋不少女性观众，也让电影从业者们有所反思。

第三集是特效。

说到中国特效就绕不开两个词：五毛特效和《流浪地球》。

这一集可能是最能改变一些刻板印象的一集。

首先，特效不是几个人坐在电脑前玩电脑。

它是一个非常综合性的工作，包括画面创作、管理、创作、对画面的理解、对电影的认知。

这也是国内赶工似的人才培养无法达到一个很好效果的原因，综合性的人才是稀缺资源。

其次，特效特费钱。

大场地要交房租、养一两百人要发工资、正版软件要钱、电费一个月就是几万……

接着，国内外特效发展过程和层次的不同。

美国是从传统的特效开始的，比如微缩模型，然后一步步发展到现代数字特效。

还是上面赵楠的那个问题，美国在特效方面有着深厚的积累。

而中国则没有这些经历，空中起高楼，于是断层就出现了。

最明显的例子就是虚拟人物这样的核心技术。

比如“灭霸”这个角色，我们还无法承接这样的镜头。

而像《阿丽塔：战斗天使》中阿丽塔这个角色用到的技术，可能拿到国内都没有人会用。

最后是特效制作过程的不易。

《邪不压正》里姜文会随时随地考特效人员北京建筑的高度；

《流浪地球》需要一遍一遍又一遍地返工修改，就连雪屑都要一帧一帧检查以做到细致真实；

《一出好戏》的黄渤要求相当高，每一个景都需要仔细制作……

由此可见，特效不仅是个细致活儿，还要应对不同导演的苛刻要求。

最后，咖爷想来说说叶锦添这一集。

比起电影，更有意思的是叶锦添其人。

他负责过《卧虎藏龙》《赤壁》《夜宴》等大片，并凭借《卧虎藏龙》拿到奥斯卡最佳艺术指导，知名度在美术设计这一领域中无人可比。

作为一位艺术家，叶锦添在14分钟里展现了他的大师风范。

比如他觉得“美术是另外一个导演”、“通常都是我让导演头痛”……

光是上面的两句话，我们就已经能够感受到他那种对于自己工作的热爱了。

作为一个香港出生、台湾工作、后与大陆导演合作的美术指导，叶锦添对于三地之间的区别有着强烈的感受。

香港是大量借鉴西方，台湾有一点中国的元素但还不够，回到大陆才逐渐找到了那种“东方美”。

比如在拍《大明宫词》的时候，他就已经感受到了大陆观众极高的接受度。

他甚至称之为是“文艺复兴”。

除了人生经历、工作经历，叶锦添还提及了张国荣的八卦：

啊，哥哥真是太可爱了……

同时，叶锦添也谈到了美国和中国电影行业的差距问题：

叶锦添也对今天的中国电影作出了评价：现在是一个迷失的时代。

其实，这在配音演员阿杰的部分也提到了：模仿可以理解，但是最后一定要发挥自己的特点。

目前中国的电影市场，很多人还停留在模仿的阶段，却没能达到百花齐放。

《我在中国做电影》不仅拍出了摄影、声音、特效、美术、配音的种种魅力。

也让我们认识到了，中国顶尖的电影从业人员，对于电影的态度——曹郁的方法论、赵楠的女性态度、特效团队的情怀、叶锦添的大师风范、阿杰的传承精神。

可能作为一部深度阅读的作品，它远远不够。

但作为一个点燃激情的火花，它绝对是最适合的。

《我在中国做电影》中所反映出的中国电影的困境，是非常值得重视的。

当一个快速发展但不够扎实的时代过去之后。

我们需要用怎样一种态度去面对我们的电影？

本文作者 |枕云 @文化咖孵化工场成员

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2019跨年夜，由B站主办的 “二零一九最美的夜”跨年晚会横空出世。

一时之间，引来万千网友的热捧。

“跨年晚会最佳，没有之一。”

“全程高能，全程暴击。”

种种好评不绝于耳之外，也让更多人了解到了“哔哩哔哩”这个神奇而独特的视频网站。

不可否认，B站的确是一座宝库。

从“鸡你太美”的鬼畜视频，到琳琅满目的二次元番剧，到各个大学的公开课汇总，再到涵盖面非常之广的各类纪录片，可谓应有尽有。

而最近，阿七就在B站上发现了一部值得一看的电影人物纪录片。

它由时光网出品，聚焦于中国电影行业的“幕后英雄”。

虽然只有短短5集，但却足以让我们如管中窥豹一般，看见电影从业人员的诸多艰辛与不易。

《我在中国做电影》

Tales of Chinese Filmmakers

本片把镜头聚焦于美术、声音、特效、摄影、配音5大电影幕后工种。

通过对7位重磅中国电影人的访谈，将中国近年来的电影产业面貌一一呈现。

第一个登场的，是摄影师曹郁。

2004年，他凭借《可可西里》摘得金马最佳摄影奖，从此一发不可收拾。

之后，由他掌镜的《南京！南京！》《摆渡人》《妖猫传》等多部影片摄影奖拿到手软。

而曹郁自己，也在一路的实践与积淀当中，摸索出了独具特色的摄影风格与艺术表达。

在曹郁看来，摄影师作为一部电影的视觉统领者，必须首先做好质感的准备。

举个例子，《可可西里》着重于自然环境的描绘，画面就要追求真实和震撼。

而《妖猫传》完全是一个主观故事，事件本身就不真实，所以没有必要去拍出自然的光效。

在拍摄过程中，杨贵妃“回眸一笑百媚生”的镜头曾一度让曹郁压力巨大。

其一，这是中国四大美人之一的杨玉环。

其二，这是白居易笔下的名句，无论从哪个角度来说，都是历史上的“名场面”。

为了拍出这个惊艳的镜头，曹郁先让人找来十几根蜡烛，放在张榕容脸部周围。

之后，加上了LED灯，营造出流光溢彩的丰富色泽。

曹郁觉得这样似乎还不够，于是在眼部加了Dedolight，又在整个脸部加上电子调光台来控制光亮的变化。

这一切加在一起，终于造就了我们在大银幕上看到的“回眸一笑百媚生”。

其实，早在曹郁一开始跟陈凯歌聊起《妖猫传》的摄影阐述时，陈导就立刻意识到这位摄影师的不凡之处。

曹郁当时拿出了一个装满画册的手提箱，里面是他在这部影片中想要用到的质感。

绘画，是曹郁作为摄影师最直接的艺术修养和创意来源。

在电影中，他会将不少自己喜欢的绘画融入其中。

比如，蒙克画作中的蓝颜色，启发了他使用蓝色和绿色构成《妖猫传》的主要色彩风格。

再比如，还未上映的《八佰》的视觉呈现，则参考了毕加索的早期画作。

说到曹郁入行的机缘，他提到了一部中学时期观看的电影：《末代皇帝》。

当时，他第一次看到摄影机居然可以像羽毛一样，那么自由诗意地展现情节。

就是从那一刻起，他下定决心要当摄影师。

于是，有了后来的种种成就，如今的曹郁无疑是中国最优秀的摄影师之一。

可如今的他，却并不骄傲，而是十分谦卑而审慎地向着更理想的境界迈进。

“我觉得摄影是这一辈子可能都达到不了你期望的那个高度，因为毕竟你的天分是有限的，你只能尽量地去做。只要你一直在进步，而不是重复甚至退步，那我觉得我就有这种幸福感。”

第二个登场的，是录音师赵楠。

她不仅是《狄仁杰之通天帝国》《催眠大师》《皮绳上的魂》《影》等多部华语影片的声音指导。

而且，还是奥斯卡的评委会成员。

说到对“声音”的理解，赵楠有着与众不同的看法。

在她看来的，声音在五感中虽然特别被动，但却是谁都逃不开的。

在电影中，声音的最高境界是生理学作用。

比如，怪兽电影里怪兽的吼叫之所以会吓到人，是因为次低频是让人最不舒服的一个频率。

再比如，电影中很多时候，即便没有台词只有音效，你也可以清楚地知道这个人是愤怒还是喜悦。

面对外界的“误解”，赵楠直言声音创作的核心并不在于素材，而是想象力。

比如，面对一段无声的怪兽画面，你脑海里必须瞬间反应出大概五六种声音。

当自己形成一个思维的创作过程之后，再实际操作。

细分下来，就又有不少步骤，从搜罗素材，到给角色定性，再到分析角色的生理结构和情绪，都十分重要。

在赵楠看来，声音创作和电影艺术一样，都有着某种共通的“假定性”。

手法是假的，但情感是真的，把两者相结合给观众制造一场幻术。

比如，在《影》当中的一场杀戮戏，沛良后心被捅，完全不能说话。

拟音团队，为了达到电影的真实就必须研究出，到底把人捅成什么样才不能说话。

后来发现，从生理结构来说，是捅肺。

于是，他们找来鱼鳔模仿肺，“啪”捅破之后，再把血往里灌，就这样完美模拟出了这段震撼又残忍的杀戮场面。

然而，与电影其他工种不同的是，声音工作者由于在创作上比较独立，是一个十分孤独的职业。

就拿拍摄《影》期间的经历来说，赵楠团队每天对着画面看下雨，然后每天还要挑着雨的素材。

工作结束的时候，天都黑了。

因此，那段时间的她心情特别压抑。

但即便如此，赵楠还是义无反顾地坚持了下来。

她曾说，每一个声音从业者，没有五年、十年，他就不可能成为很优秀的混录师或者声音指导。

而正是这份可贵的坚持，让赵楠拿下香港金像奖最佳音响效果奖。

在颁奖礼上，她为女性发声，更展现出身为一位专业录音师的自豪与骄傲。

第四集，大概是最有格调的一集，因为请来了被誉为“东方美学第一人”的美术指导叶锦添。

纵观他的作品履历，从《卧虎藏龙》到《无极》，从《夜宴》到《赤壁》，每一部都能从中窥探到叶锦添对东方美学的独到见解。

《卧虎藏龙》中，他大胆创新，史无前例地用山水画来做刺绣图案。

《赤壁》中，他为了绣一件衣服花了大半年时间，美学大师的精细程度从中可见一斑。

在影片中，对于同一个角色，叶锦添总是会不厌其烦地设计出不同的服装。

比如，《卧虎藏龙》中的李慕白是一位归隐山林的大侠，衣服从头到尾只有一套。

但在不同的戏里，他的衣服出现了材质上的变化：竹林戏时，他的衣服更加轻盈，可以随风飘动；进入宏村时，他的衣服则是棉麻质地，比较坠。

在叶锦添看来，美术指导并不只是把服化道弄得漂漂亮亮就可以，它涉及到很多我们一直忽略的知识和领域——

“你对历史的认识，你对人情世故的认识，你对所有生活细节的认识，都是美术指导的工作。”

比如说，你弄一个茶壶，应该是什么样的茶壶，然后茶壶是代表什么，都需要考量和设计。

正是这份精益求精，让叶锦添逐渐打造出独树一帜的东方美学。

2001年，他凭借《卧虎藏龙》拿下奥斯卡最佳艺术指导。

此后，《卧虎藏龙》的美学风格几乎成为了一种高山仰止的范式，不断影响着整个华语电影产业。

但叶锦添则提到，所谓的“东方美学”也是慢慢建立起来的。

刚毕业的时候，叶锦添相当自傲，因为在香港看不到他认为厉害的东西，于是他索性当起“背包客”远赴欧洲。

后来，他去了台湾。在那里，叶锦添发现了一些有中国味道的东西。

然而，之后再深入下去，就觉得它们的力气不够。

于是，叶锦添十分先觉地意识到，中国必须拍出属于自己，并拥有生命力的“东方美学”。

从《大明宫词》开始，他一路探索和追寻，不断将他个人理解的最纯粹的东方美学呈现在大众眼前。

因此，才有了之后蔚为大观的《卧虎藏龙》等一众愈发成熟和优秀的作品。

在新片《封神三部曲》中，叶锦添则再度担纲美术指导。

为了设计片中的服化道，他钻研商朝历史、宗教、饮食文化和宫廷文化，以期用多元碎片组织成画面，做出游牧民族和汉族道统文化相结合的东方味道。

相信在不久的将来，不仅叶锦添的电影美学会享誉全球。

而且，中国的东方美学和传统文化也将被更多人看到。

说到这部纪录片的最大意义，自然是让更多人看到了一大批隐藏在大银幕背后的电影工作者。

他们辛勤劳动，兢兢业业，身为电影的工匠，却始终默默无闻。

但从另一个层面，我却看到了电影作为一个艺术门类的强大魅力。

它因朴实而动人，因纯粹而闪耀。

也惟其如此，它吸引无数电影人参与其中，如朝圣一般完成着日复一日的电影幕后工作。

对于他们每个人来说，电影真的意味着太多东西。

叶锦添将电影比作古希腊的剧场，它可以让一帮陌生人共鸣共感，拉近心与心之间的距离。

赵楠则坦率地说，自己已经不知道是否热爱这个行业，但肯定热爱电影。

看到这里，阿七不禁被这份简单的“热爱”深深打动。

是它，支撑着无数电影幕后工作者不断向前。

也同样是它，让电影成为了他们每个人生命中的一部分，融入血液之中。

最后，就用一句影片中的语录作结，并与大家共勉吧。

“一往无前的唯一力量，就是热爱你所做的一切。”

让我们向默默无闻的“幕后英雄”们致敬。

让我们从此时此刻起努力打拼，不辜负心中的热爱。

某一公众号推荐了这个微纪录片系列《我在中国做电影》，看完之后失望大于期望。 系列片选了幕后的五个工种——摄影、录音、美术、特效、配音——的代表人物，做成了一集不超过20分钟的微人物采访片，主要介绍了电影幕后、技术构想、个人经历以及工作现状，缺点是对中国电影的幕后挖的不深，对工种情况的介绍不全，人物只鳞片甲勾不出全貌，或许因为时长太短、或许不同编导的风格未统一、或许没有找到观众想要看到的东西，看完并没有像名字类似的《我在故宫修文物》（估计也是套用这个名）让人感动。 但系列片的风评不错，一来由于大家的电影情怀，二来聚焦到导演演员大腕之外的幕后功臣，让观众对电影的幕后有更多的了解。电影光鲜的背后，有太多的无奈与牺牲，只是不为外人道而已。像片中赵楠说现在录音越来越不受重视，根本没有时间去精心打磨一部电影的声音，这跟电影市场的火爆与急功近利的态度扯不脱关系。我想，编导选取的虽然都是圈内各工种的顶尖人物，但还有更多籍籍无名的电影人也在为中国电影而努力，这些平凡人的视角或许可以代表中国电影的大多数，像68岁的香港茶水姐杨蓉莲就应该有很多故事可以挖掘。系列片的结尾说，“献给为中国电影默默付出的每一个人”，希望那些真正默默无闻的电影筑梦人也能进入编导们的法眼。

大家都说，眼睛是心灵的窗户，那我便认为声音是眼睛的大门，

聚焦电影声音这一工种是国家一级录音师、奥斯卡评委会成员赵楠老师。

她认为，从技术上来讲，现场捕捉的声音远不足支撑一部电影。

在《影》中，没有效果器、低音炮，而是尽最大力度还原声音的本真，对最原始声音进行捕捉再合成。阴与阳、动与静，是赵楠给《影》声音的风格定位。她根据定位寻找符合气质的声音元素，所有声音相互配合，只为让观众感受如此阴阳动静。

《影》是连下七天雨的故事，通篇两个小时被雨声铺满。两国交战，不同雨声暗示着不同国家的基调，沛国的雨阴阴郁郁，敌国的雨暴躁刚烈。在制作的过程中，赵楠捕捉了大量雨声素材。她还跟随剧组，在拍摄环境下捕捉了许多自然混响，让声音的组合更加丰富自然，给人以真实震感的感觉。比如剑穿铠甲的声音，这一个动作，起码七种声音合成。首先穿断金属铠甲，再刺穿皮子，再进入肉、穿骨头缝、金属与骨头缝的摩擦声，爆破似的穿透出来，最后还有血流出来的声音。是这样的声音加持，才铸就了壮阔与精致同在的《影》。（源自百度）

声音往往能烘托气氛，声音越多所含的细节越多，在不同的声音下也能透露出不同的心情，交代人物心情，铺垫故事情节……